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Musique de chambre, 2ème concert

Musique de chambre, 3ème concert

Musique de chambre, 1er concert

Concert au profit d'Amnesty Internationale

Concert Latino

Un Opus au Campus
Concert donné en ouverture de la saison culturelle de l'Université d'Avignon et des Pays de Vaucluse.

Un programme original permettant de découvrir le répertoire symphonique latino-américain. En partenariat avec l’association « premières loges »

Avec le soutien de La Caisse des Dépôts et Consignation

Schoeller/Slam & Cage

Avec le soutien du Fonds d'Action SACEM
Formulaire d'inscription en ligne
Inscriptions en ligne pour la rencontre pédagogique du 15 févier, pour les enseignants

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Voyages ! Autour du monde en musique

Un voyage musical autour du monde pour entendre comment les musiques populaires ont inspiré les compositeurs de musique savante dans le répertoire symphonique ; programme tissant des liens avec la littérature du voyage.

Voyages ! Autour du monde en musique

Pierre et le Loup, Class'concert

Uen tournée Pom'concerts est proposée par Arts Vivants en Vaucluse pour 4 écoles inscrites au concert Pierre et le Loup, les 24 et 25 janvier 2012.
Les écoles doivent être situées en dehors du Grand Avignon.
Renseignements : 04 90 86 11 62

Pierre et le Loup, Class'concert

Pierre et le Loup, Musi'famille

Tosca

Faust

Il Trovatore

Le Nozze di Figaro

Thaïs

Concert lyrique

Docteur Miracle

Concert du Nouvel An

Concert de Noël

vendredi 2 décembre

Requiem de Mozart

Concert de Clôture

Depuis sa mort, en 1912, Jules Massenet, le maître de l'opéra romantique français, a toujours été joué. Pour honorer son centenaire, Nathalie Manfrino (est-il besoin de présenter cette grande soprano française ?) délaissera, momentanément, la veine héroïque de Massenet. À l'opposé, elle présentera les différents sentiments intimes qui, on l'oublie trop souvent, irradient tous ses opéras, des moins connus (Ariane, Cléopâtre ou Grisélidis) aux plus célèbres (Esclarmonde, Werther et Manon). En résonance à ce programme vocal, deux chefs-d'oeuvres orchestraux : Siegfried Idyll de Wagner et Ma mère l'Oye de Ravel. Comment mieux terminer cette nouvelle saison de concerts en abonnements ?

Yeruham Scharovski - Roger Muraro

Au coeur de ce programme les deux visages de Liszt : le “patron” de la musique européenne, inventeur du concert moderne (Concerto pour piano et orchestre n°2) ; et l'homme en son intimité et sa spiritualité (le très rare Malédiction, en sa version pour piano et cordes). En écho à ce premier visage, ce majestueux triptyque de Schumann. Et en écho au second, méditatif, Simple Symphony de Britten et cette hallucinée lecture du fameux tableau de Breughel par Hugues Dufourt. Liszt multiple, protéiforme !

Alexandre Vakoulski - Kyrill Troussov

Par ce programme de concert, l'orchestre s'exposera en ses deux personnalités : seul ou dialoguant avec un soliste. Seul, il offre deux visages : homogène (l'orchestre est utilisé en son tout, pour sa puissante énergie, comme dans cette pièce de Michel Tabachnik) ou hétérogène (au sein de l'orchestre, les différents musiciens dialoguent en solistes, comme dans Dumbarton Oaks, Concerto de Stravinsky).
Et lorsqu'il dialogue, ce peut être léger et gracieux (les Danses de Debussy) ou impérial et amplement lyrique : l'apollinien Concerto pour violon de Brahms. Issu de la grande tradition violonistique russe, le jeune et flamboyant Kirill Troussov fera chanter et danser ce modèle du grand concerto romantique.

Docteur Miracle! Opéra Comique

Pour devenir chef d'orchestre, l'une des voies royales est d'être d'abord un pianiste qui accompagne et fait répéter des chanteurs d'opéra. Ainsi le fit Alain Altinoglu (rappelons-nous son intense Légende de Sainte-Élisabeth de Liszt, à l'Opéra-Théatre d'Avignon, en janvier 2011). Et ainsi le fait Samuel Jean (par ailleurs professeur d'ensembles des chanteurs au Conservatoire de Paris) qui, pour ce concert offre deux facettes de son talent : chef symphonique : la création mondiale de Tiger, concerto pour orchestre de Philippe Schoeller , actuellement en résidence auprès de l'Orchestre lyrique de Région Avignon Provence ; chef lyrique : Docteur Miracle, douce et burlesque fantaisie lyrique de Georges Bizet (l'opposé de Carmen !), qu'interpréteront quatre brillantes personnalités parmi la jeune génération des chanteurs français. Un régal

La Passion selon Saint Jean

À La passion de Jeanne d'Arc succède un autre récit de la passion : la Passion selon Saint-Jean de Johann Sebastian Bach. Après l'avoir créée lors du Vendredi-Saint de 1724 à Leipzig, Bach la donna trois autres fois, avant que ce chef-d'oeuvre ne soit oublié.
Un siècle plus tard, un mouvement que Mendelssohn avait initié la fit renaître. Depuis lors, les deux Passions (l'une réputée colorée et théâtrale, selon Saint-Mathieu ; l'autre plus dense et plus épurée, selon Saint-Jean) de Bach, qu'une enthousiaste pratique chorale amateur s'appropria, devinrent les modèles d'une musique sacrée
chrétienne.
Dirigeant “son” Choeur régional Provence Alpes Côte d'Azur, Michel Piquemal est l'un des plus éminents détenteurs et continuateurs de cette noble et populaire tradition.

Ciné Concert - La Passion de Jeanne d'Arc

La passion de Jeanne d'Arc est l'un des plus grands films de l'histoire du cinéma. Avec hardiesse, Carl Theodor Dreyer y rapproche la passion du Christ et les derniers moments de Jeanne d'Arc (son procès et sa mort au bûcher). L'écriture cinématographique est audacieuse : la caméra est très mobile et les gros plans sont rarement frontaux, tandis que le montage crée un rythme fiévreux. Film muet ne veut pas dire film sans parole, tant corps et visages sont expressifs, tant les acteurs y sont hallucinés, dont Antonin Artaud et, dans le rôle-titre, Renée Falconetti.
En 2010, le compositeur estonien Tonù Korvits a écrit une partition haletante, que l'Orchestre lyrique de Région Avignon Provence est particulièrement heureux de présenter aux mélomanes et cinéphiles avignonnais, auxquels une inoubliable soirée est promise.

Alexandre Vakoulski - Giovanni Belucci

Dans l'opulence de Mozart, quelques oeuvres révèlent, à l'auditeur stupéfait, un pressentiment romantique. Le Concerto pour piano n°24, en ut mineur est l'un de ces trésors, de ces phares qui éclairent le futur XIXè siècle, celui de Mendelssohn, de Chopin, de Schubert et… du trop méconnu George Onslow (1784-1853). Né et mort à Clermont-Ferrand, cet important compositeur français étudia en Angleterre et eut une ample connaissance de la musique allemande de son temps. Il fut une sorte de Mendelssohn français, entre romantisme et classicisme. Quasiment inconnue, sa Symphonie n°2 est un trésor à ne surtout pas manquer ! Deux interprètes enflammés serviront ce programme hors norme,que Mosaïques de Yan Maresz complète avantageusement.

Concert Lyrique

En peu d'années, des Arts Florissants aux plus grandes salles européennes, du répertoire baroque aux musiques du XXè siècle, Stéphanie d'Oustrac a conquis une place et une renommée enviables. Récemment, à l'Opéra-Théâtre d'Avignon, ne fut-elle pas bouleversante dans Dialogues des carmélites ? Pour un beau mezzo-soprano comme elle, Mozart et Rossini sont l'origine et le coeur de sa voix et de son répertoire. Avec des pages connues (Les noces de Figaro, La clémence de Titus, Cosi fan tutte, Le barbier de Séville), une perle inconnue : la Cantate Jeanne d'Arc
de Rossini.

Concert du Nouvel An

Le début de chaque année se fête en musique… et en amitié. Ni l'Orchestre lyrique de Région Avignon Provence ni ses fidèles auditeurs ne penseraient à oublier cette chaleureuse habitude !
Au programme, la Vienne impériale (un bouquet de valses) et les Caraïbes (la bossa nova).
Et toujours le même Monsieur Loyal : Jérôme Pillement.

Benjamin Ellin - Vanessa Wagner

Pour les quatre compositeurs de ce concert, qu'ils soient classique (Beethoven), romantiques (Schubert et Mendelssohn) ou néoclassique (Alain), le clavier (le piano ou l'orgue) est premier.Et même si le piano est absent de l'oeuvre finie !Bien évidemment, le piano et l'orgue sont les somptueuses machines qui nous ravissent. Mais ils sont aussi des machines à exploreret à expérimenter, lorsque, en cours de création, le compositeurcherche à tester et à matérialiser de nouvelles sonorités et desrecherches formelles. Ce programme permet d'entrer dans l'antre du compositeur

Jean François Heisser, direction et piano

Riche en couleurs, ce concert présente un des sommets de la musique occidentale (le concerto pour clavier selon Bach) et les fruits que, dans le chaud monde hispanique, d'inventifs compositeurs ont tiré du langage baroque et classique. Tout d'abord, l'impressionnante symphonie que, fauché à vingt ans, l'espagnol Juan-Crisóstomo Arriaga eut le génie de composer. Puis deux virevoltantes séries de variations que deux fameux compositeurs argentins ont élaborées : Alberto Ginastera et Astor Piazzolla, le maître du tango

Yeruham Scharovski - Henri Demarquette

Ce programme réunit trois des cinq continents de notre planète, si finie (manquent l'Océanie et l'Afrique), dont les musiques se structurent autour du temps musical (et son organisation en rythmes divers), des échelles sonores, et d'unités « mélodiques ». Et, ici, la mélodie l'emporte. Mais la mélodie est une auberge espagnole. Tour à tour, elle est une ligne qui entre dans notre mémoire et y demeure, doucement obsédante (les deux œuvres, pour violoncelle soliste de ce concert : Élégie de Fauré et Concerto de Barber). Elle est aussi la porte d'entrée dans Nature profonde et sacrée (Takemitsu). Enfin, elle est le matériau de base, simple prétexte, à partir duquel on construit une œuvre musicale tout simplement géniale, et drôle (la « Roulement de timbale » de Haydn).

Concert d'ouverture de la saison

Par nature, un portique ouvre à un monde différent ; il permet de passer du quotidien, connu, au stimulant domaine de l'imaginaire. Par ce portique, Bernard-Olivier Faguet rend un séduisant hommage aux inoubliables fresques du Palais des Papes, si mondialement célébres. Puis chaque auditeur sera au centre d'une tension entre une musique dont le fonction est prescrite (Sibelius écrit de la musique pour accompagner la pièce de théâtre Pelléas et Mélisande de Maurice Maeterlinck) et une musique « libre » (Beethoven aurait décidé, seul, d'écrire cet « Empereur »). Mais cette tension est complexe : Jean Sibelius, libre, dresse une ahurissante galerie de portraits et de situations, tandis que Beethoven voit Napoléon et l'Histoire s'immiscer dans ses obsessions : fondre la si revendiquée liberté créatrice et les aspirations aux libertés politiques qui avaient nourri son unique opéra : Fidelio. Un portique monumental !

La semaine des cuivres

Rossini, Ouverture de l'Italienne à Alger
Albrechtsberger, Concerto pour trombonne alto et orchestre à cordes
Hummel, Concerto pour trompette en mi bémol majeur
Koestier, Concertino pour tuba et cordes
Mendelssohn, Scherzo du Songe d'une nuit d'été
Pierre Pizon, Concerto pour 2 trombones et orchestre à cordes
Dominique Lièvre, Les Larmes de Saas [création]

L'Atelier du chef

1er violon, Corinne Tarbouriech
2nd violon, Pascale Watelle
Alto, Michel Tiertant
Violoncelle, Nicolas Paul
Contrebasse, Jean-Claude Galigné

Oeuvres au programme :

Wolfgang Amadeus Mozart
Petite musique de nuit
Benjamin Britten
Simple symphony

Concert Britten hors les murs

Sérénade pour cor, ténor et cordes

C'est après avoir entendu et écouté Dennis Brain, l'admirable cor solo de la Royal-Air-Force que Benjamin Britten commence la composition de sa sérénade qu'il définit comme « une élégie ou un nocturne qui réunit les pensées et les images appartenant au soir ».
Cette œuvre en 7 mouvements, composée en 1943, tire son inspiration de poèmes célèbres de la littérature anglaise. Elle a été créée par le ténor Peter Pears, grand ami de Britten et le corniste Dennis Brain.

Prologue
Pastorale, sur un poème de Charles Cotton
Nocturne, sur un poème de Alfred Tennyson
Élegie, sur un poème de William Blake
Dirge, sur un poème anonyme
Hymne, sur un poème de Ben Jonson
Sonnet, sur un poème de John Keats
Epilogue

Variations sur un thème de Frank Bridge

Cette œuvre représente un défi, quand en mai 1937 le chef d'orchestre Boyd Neel est invité à se produire en août au festival de Salzbourg avec son orchestre à cordes, à la condition absolue d'y exécuter la création mondiale d'un compositeur britannique.
Ami de Britten, il connaissait ses grandes facilités d'écriture et lui confia la composition. Une première ébauche était esquissée une dizaine de jours plus tard, et l'œuvre fut achevée en juillet. Cette œuvre connut un grand succès et consacra Britten comme compositeur sur la scène internationale.

Les variations sur un thème de Frank Bridge sont composées sur le thème de Idyll un quatuor à cordes de 1906 de Frank Bridge, qui fut le professeur de Britten dans les années 1920. Elles sont constituées de onze mouvements :

1. Introduction et thème
2. Adagio
3. March
4. Romance
5. Aria Italiana
6. Bourrée classique
7. Wiener Walzer
8. Moto perpetuo
9. Funeral March
10. Chant
11. Fugue et Finale

Concert Britten hors les murs

Sérénade pour cor, ténor et cordes

Tournée en Corée du Sud

Les enfants rendent hommage à Xenakis

Ateliers de composition avec Iván Solano,
Ateliers de chant contemporain avec Armelle Orieux,
Rencontres avec les artistes dans les classes, les élèves de trois collèges du Vaucluse vont vivre en temps réel l'expérience de la création en hommage à Iannis Xenakis, disparu il y aura 10 ans en 2011 :

Xenakis, Polla ta dhina (1962) Il est bien des merveilles en ce monde, d'après Antigone de Sophocle
pour ensemble orchestral et choeur d'enfants

Solano, Voyage à Ithaque... Psapphrasis
création pour choeur d'enfants, dispositif électronique, voix et percussions

Xenakis, Rebonds (1987-88) pour percussion solo

Boucourechliev, Le lit de neige (1983-84) pour soprano et ensemble orchestral

Les enfants rendent hommage à Xenakis

Peter Pan

Un formidable voyage musical qui nous mène au Pays Imaginaire sur le bateau des Pirates, avec les Garçons Perdus, la Fée Clochette, et le Capitaine Crochet !

« …Le combat commença.
Peter para les coups avec une rapidité foudroyante, il feinta, allongea une botte qui
surprit la défense adverse. Malheureusement, la portée fut insuffisante. Crochet le
força à reculer sous l'élan de ses assauts répétés, espérant en finir rapidement il
voulut frapper avec son crochet. Peter esquiva et allongea un coup qui transperça
le capitaine…A la vue de son sang, Crochet, laissa tomber son épée…
« Qui es-tu donc Pan ? » demanda le capitaine à bout de souffle.
« Je suis la jeunesse, je suis la joie. » répondit Peter… »
Extrait de l'adaptation du texte par Eric Herbette

Peter Pan

Musi'famille

La musique se met au diapason du développement durable avec un programme inscrit dans la permanence du temps, le cycle immuable des saisons, la transformation de l'eau et l'énergie du soleil.

Haydn, Symphonie « L'Horloge », 2e mvt.
Beethoven, La Symphonie Pastorale, 2e mvt. « Le ruisseau »
Beethoven, La Symphonie Pastorale, 4e mvt. « L'orage »
Mendelssohn, Ouverture des Hébrides
Vivaldi, Les Quatre Saisons : « Le printemps »
Piazzolla, Les Quatre Saisons : « L'été »

Collèges au concert

La musique se met au diapason du développement durable avec un programme inscrit dans la permanence du temps, le cycle immuable des saisons, la transformation de l'eau et l'énergie du soleil.

Haydn, Symphonie « L'Horloge », 2e mvt.
Beethoven, La Symphonie Pastorale, 2e mvt. « Le ruisseau »
Beethoven, La Symphonie Pastorale, 4e mvt. « L'orage »
Mendelssohn, Ouverture des Hébrides
Vivaldi, Les Quatre Saisons : « Le printemps »
Piazzolla, Les Quatre Saisons : « L'été »

Rencontre pédagogique pour tous les enseignants inscrits au concert : mercredi 10 novembre 14h00- 16h30
Collège Diderot à Sorgues

Collèges au concert

Die Zauberflöte

Dialogues des Carmélites

Eugene Oneguine

La vie parisienne

Carmen

Ballets

Die Zauberflöte

Dialogues des Carmélites

Eugene Oneguine

La vie parisienne

Carmen

Fête de la musique

Nouvel An Palais des Princes

Samedi 2 octobre

Cosi fan Tutte

Vendredi 3 juin

Qu'est-ce que l'accomplissement en art ? En se plaçant du côté de l'auditeur, une musique accomplie n'est ni une immédiate source d'adhésion enthousiaste ni une certitude d'être devant une réalisation figée dans la certitude d'avoir entendu une œuvre déjà classique. Remontons le fil de la production de l'œuvre et écoutons ce médiateur qu'est l'interprète : pour lui, l'accomplissement serait la certitude que chaque geste instrumental résulte d'une compréhension parfaite de la technique et du geste propres à chaque instrument. Enfin, en se situant derrière l'épaule du compositeur, une musique accomplie serait à la fois la réalisation impeccable du projet initial et une ouverture vers l'inouï que seront les futures partitions. Sans doute le philosophe et le musicologue ajouteront-ils trois points : une œuvre accomplie offre une absence de déperdition entre ce que le compositeur a entendu à chaque instant de son travail et le résultat final ; aux analyses musicales les plus assidues, elle résiste et offre un roc infrangible ; enfin, elle éveille d'amples interrogations extra-musicales. Assurément, les trois partitions inscrites à ce programme relèvent de cet accomplissement !
Qui dit mieux ? Cette Symphonie n°36 a été écrite en cinq jours de l'été 1783. Convié par le comte de Thun en son domaine à Linz, Mozart répond à une demande de son hôte. Loin d'être superficielle, cette admirable symphonie (hélas, trop peu souvent jouée) est une somme de beautés et … de questions. Depuis peu, Mozart avait découvert l'œuvre de Haydn et en était entré en admiration : notamment, il a avait été frappé par ces introductions lentes et sombres au mouvement initial qui ont la vertu de saisir l'attention de l'auditeur. Également, s'épanouit ici un discours original en deux pratiques : plutôt que de développer une idée musicale, la réitérer, à l'identique ; et préférer des ruptures de discours à des continuités ou à des dérivations. Enfin, Mozart aime à laisser des phrases ou des idées non résolues plutôt que de conclure. Le paradoxal est que ces « inquiétudes » sont recouvertes par une beauté sonore d'une lumineuse plénitude.
Cette lumineuse plénitude caractérise tout autant le Concerto pour violon n°2, en mi majeur de Mendelssohn. Et pourtant sa composition ne connut pas la fulgurante rapidité de la Symphonie n°36 de Mozart. Entre sa première ébauche en 1838 et son achèvement en 1844, le temps semble long. Mais son cours ne fut pas heurté : tout simplement, Mendelssohn était sollicité par des fonctions officielles (il est directeur général de la musique du roi de Prusse et il fonde le Conservatoire de Leipzig), par son activité d'interprète et par la composition de nombreuses autres œuvres. Du vivant même de Mendelssohn, ce Concerto pour violon n°2 appartint à la poignée de concertos que les poètes de l'archet élisent. On y admire le charme miraculeux qui caractérise sa fameuse musique pour Le songe d'une nuit d'été. À la fin du XIXe siècle, dans son Art poétique, Paul Verlaine aspirait à une écriture sans « rien qui pèse et qui pose » ; un demi-siècle auparavant, Mendelssohn avait réalisé des prodiges de sérénité sans, pour autant, dissimuler les inquiétudes qui l'animaient.
Né en 1945, Jacques Lenot est autant nourri de musique (Mozart, Schumann et Webern) que de poésie (Hölderlin, Rilke et Jaccottet). Sans oublier l'effusive Jeune Parque de Paul Valéry qui innerve sa lyrique œuvre Dans la continuité des Parques (commandée par Musique Nouvelle en Liberté et créée en février 2003 par l'Orchestre de Bretagne).
Trois visages d'un même lyrisme, à ne pas manquer !

Frank Langlois

Jeudi 5 mai 2011

Tout comme le premier concert de cette saison (le vendredi 15 octobre 2010), ce programme est placé sous le signe du chant pur. Par ce terme, il ne faut pas entendre un facile et ininterrompu robinet mélodique. Au contraire, il s'agit d'exprimer le chant intérieur le plus intime et le plus concentré. Ce chant n'est pas seulement bouleversant ; il est également source de méditations et de réflexions. Autant de compositeurs, autant de chants purs.
Né en 1967 à Dallas et ayant étudié dans les universités de Houston et de Yale (il y enseigne désormais), Christopher Theofanidis s'est façonné un style où, au néo-romantisme et à une grande chatoyance orchestrale, il associe le minimalisme, le chromatisme et des couleurs modales asiatiques. Ce style est nourri d'interrogations - métaphysiques, politiques et écologiques - sur la destinée humaine. À propos de Radiant Mind, créé en 2009, Christopher Theofanidis précise : « Le titre Radiant Mind est emprunté à la philosophie bouddhiste dans laquelle un état d'esprit soucieux est quelquefois comparé au ciel lorsque, par temps clair, nos pensées comme des nuages surgissent et dérivent. […] Avec cette image, je cherche à explorer des idées musicales ainsi que des couleurs harmoniques et mélodiques. »
Avec Frédéric Chopin, nulle influence atmosphérique ou cosmologique. Tout (ou presque) provient de l'intime. Ses deux concertos pour piano ont été composés dans son pays natal : ils ne portent donc pas cette nostalgie de la patrie que, exilé en France après que l'armée russe se fût sauvagement appropriée la Pologne, Chopin allait placer dans chacune de ses œuvres. Ils correspondent à l'idéal esthétique fondamental du compositeur : au premier rang, se tenaient un lyrisme inné et le vif imaginaire digital que procure une virtuosité pianistique totalement dominée ; et s'y ajoutait l'attraction irrépressible que Chopin éprouvait pour le - très jeune - opéra romantique italien (Rossini, Donizetti et, par dessus tout, Bellini), avec son révolutionnaire bel canto. Ce Concerto pour piano et orchestre n°1, en mi mineur, fut créé lors du dernier concert que, le 11 octobre 1830, à Varsovie, Chopin donna dans son pays natal qu'il n'allait jamais revoir.
Chez Mozart, le génie opératique n'est pas un isolat : il innerve tout le reste de sa production. Composée à l'été de 1788, la Symphonie n°39, en mi bémol majeur est la première d'un groupe de trois symphonies destinées à un concert à bénéfices que, à l'automne suivant, il comptait organiser à Vienne. Par le jeu des circonstances, ce bouquet est l'ultime travail symphonique de Mozart : jusqu'à sa mort, en décembre 1791, il n'allait pas avoir l'occasion de revenir à ce genre qui n'était qu'un parmi tous ceux qu'il utilisait (concerto, sérénades, musique de chambre, musique pour le clavier, messes, motets, airs, opéras). Dans une nomenclature usuelle (ce n'est pas le « gros » orchestre de Don Giovanni), dans l'identité orchestrale que Mozart sculptait progressivement (une sérénade pour instruments à vent que flanque un quintette à cordes élargi) et grâce à un travail d'écriture où la densité est sans cesse plus recherchée, Mozart, omniscient maître de l'opéra, donna, à chaque mélodie pianistique ou instrumentale, la palpitation et l'intensité qui rendent Cherubino (peut-être son plus fidèle autoportrait) inoubliable. Du piano qui chante profondément !

Frank Langlois

La voix du Violoncelle

Ce concert est un éloge enflammé du violoncelle. Avec son vif tempérament, Sonia Wieder-Atherton en sera le guide : ses liens privilégiés avec des compositeurs vivants (à commencer par Pascal Dusapin, dont, en 1996, elle créa ce Celo), sa nature hautement lyrique (le répertoire d'Europe centrale et de Russie est un de ses terrains d'élection), et son oreille si fine (elle la conduit à d'inoubliables transpositions, pour son instrument, tels des madrigaux de Monteverdi) en font une incandescente personnalité musicale.
Avec Celo (non pas le diminutif de violoncello mais, d'après le verbe latin celare, « je cache », « je tiens celé »), Pascal Dusapin - éminent auteur d'opéra - crée un théâtre où un onirique chant intérieur se déploie, sans se dévoiler, dans et à côté de l'orchestre. Au pôle totalement opposé, les Variations sur un thème rococo sont du théâtre joyeusement extraverti : en huit épisodes, Tchaikovski unit sa passion pour le XVIIIème siècle (Mozart, en particulier) à sa nature théâtrale (et même si les opéras de Tchaikovski sont essentiellement sombres).
Dans les deux autres œuvres de ce programme, le violoncelle n'est certes pas soliste. Mais, pour leur compositeur, le violoncelle était particulièrement prisé. Pour connaître comment Debussy l'entendait, rappelons-nous sa Sonate pour violoncelle et piano où l'instrument à archet est un faune, tantôt mélancolique, tantôt ivre de fêtes et de liberté. Appartenant à l'époque où Debussy se cherchait encore et n'avait pas atteint sa première ère stable (celle du symbolisme, avec Pelléas et Mélisande et Nocturnes), Petite suite, pour piano à quatre mains (1888-1889), possède le charme des plus beaux poèmes de Paul Verlaine ; les riches couleurs que, en 1907, Henri Busser lui apporta se situent dans le sillon de l'orchestre debussyste.
Enfin, Brahms eut toujours un attrait particulier pour les instruments situés dans le bas médium : alto, violoncelle, clarinette, basson et cor. Sa Symphonie n°1 atteste de ces centres de gravité. Et d'autant plus qu'elle fut longuement méditée : envisagée dès le début des années 1850, alors qu'il avait été distingué par Robert Schumann, cette œuvre fut achevée en 1876. Fantastique violoncelle !!

Frank Langlois

Vendredi 4 février

Dans le terme « orchestre », le public mélomane entend un regroupement d'instrumentistes qui, hautement compétents, s'assemblent en une entité pour jouer le vaste répertoire symphonique. Pour les "gens de musique" (compositeur et musiciens), l'orchestre désigne également la riche matière sonore que produit cette entité.
Loin d'être compact, statique et infrangible, l'orchestre relève plutôt d'un univers dynamique creux où des corps sonores, aux dimensions et aux densités très contrastées, alternativement créent des flux d'énergies puis subissent des courants extérieurs. Cet univers est d'une étonnante ductilité, tant il se plie à la singularité de chaque projet musical. Et, dans le cours de chaque œuvre, il dégage des espaces multiples, feuilletés, tuilés, contigus, continus ou rompus. C'est tout l'objet de ce concert.
Écrit en 1984 à la mémoire de Cathy Berberian - formidable chanteuse qui avait autant été son épouse que son inspiratrice -, Requies est ainsi présenté par son compositeur : « Un orchestre de chambre joue une mélodie. Ou, pour être plus précis, il décrit une mélodie, mais seulement au sens où une ombre décrit un objet ou un écho décrit un son. La mélodie se développe sans cesse, quoique de manière discontinue, par des répétitions et des digressions autour d'un centre changeant, distant et peut-être indescriptible. »
Les deux autres œuvres de ce programme (le « Triple concerto » de Beethoven puis Pulcinella de Stravinsky), remontent aux sources du concerto baroque : le dialogue entre deux entités musicales très inégales en poids : un soliste ou un ensemble de chambre (ici : trio avec piano puis quintette à cordes) et un orchestre. Pour Stravinsky, et dans de tout autres voies que Les Noces (cette «cantate dansée » dont l'inimitable instrumentation fut longue à cerner), le ballet Pulcinella est une des œuvres par lesquelles, à partir de 1914, le compositeur prit congé du gigantisme orchestral qui caractérisait ses trois gigantesques ballets russes (L'Oiseau de Feu, Petrouchka et Le sacre du printemps). Indiscutablement, dans Pulcinella le geste est néoclassique, ou plutôt néobaroque : un concertino (deux violons, alto, violoncelle et contrebasse) dialogue avec un concerto grosso (six bois, quatre cuivres et les cordes). Quant au « Triple concerto » (écrit simultanément à la Symphonie n°3 dite Eroica), Beethoven y tente de dépasser le concerto pour un unique soliste ; ce faisant, il s'approche de la symphonie concertante. Mais foin des querelles entre genres musicaux : dans le « Triple concerto », les échanges entre les solistes (ensemble ou isolés) et la masse orchestrale dégagent des courants d'énergies et … de bonheurs !
Frank Langlois

La légende de Ste Elisabeth

Quelque grande fût la liberté qu'il ait prise à l'égard des lois civiles et religieuses (il vécut maritalement avec Marie d'Agoult puis avec la princesse Sayn-Wittgenstein et eut plusieurs enfants nés hors-mariage), Ferenč Liszt fut tôt fasciné par l'état ecclésiastique. Après avoir, adolescent, été tenté par la prêtrise, il reçut les ordres en mineurs en 1865. Aussi nul ne peut douter que sa vaste production de musique sacrée est profondément sincère. Qu'il se situât dans le cœur de la loi chrétienne ou qu'il inclinât momentanément vers des doctrines marginales voire excommuniées (Félicité-Robert de Lamennais), son creuset était chrétien. Bien entendu, sauf à s'en tenir au simple plain-chant, la polyphonie la plus simple porte déjà sa part de théâtralité, tandis que célébrer un rite ou un(e) saint(e) nationaux fait entrer l'œuvre dans le champ politique. Si toute la musique sacrée lisztienne assurément impure et est destinée « au monde », elle n'en exprime pas une ardente foi.
Ce corpus est consistant : deux amples oratorios (La légende de Sainte-Élisabeth, entre 1857 et 1862 ; Christus, entre 1862 et 1866) ; quatre messes dont Requiem ; divers psaumes ; Via Crucis et Ossa arida, deux partitions qui sont à la lisière de l'atonalité ; et diverses pièces plus brèves.
Écrit sur un livret d'Oto Roquette et dédié au duc Louis II de Bavière, l'oratorio La légende de Sainte-Élisabeth est organisé en deux parties (deux actes, pourrait-on dire) et en six numéros (on les qualifierait presque de tableaux). Même si cet ouvrage se tient aux portes de l'opéra, Liszt en interdit formellement toute représentation scénique. Et même si le compositeur se garda bien de placer cet ouvrage dans les combats idéologiques qui nourrissaient alors la « naissance » de la nation hongroise, La légende de Sainte-Élisabeth a une indéniable portée politique : Sainte-Élisabeth (1207-1231) est la patronne de la Hongrie qui, refusant l'héritage princier que son veuvage lui apporta, préféra, à l'image de François d'Assise (n'oublions pas que ce saint était le « patron » de Ferenč = François Liszt), soulager les miséreux et, dans le plus extrême dénuement, remettre sa jeune vie à Dieu.
On l'a compris : dans La légende de Sainte-Élisabeth, s'entrelacent la pureté du plain-chant, le diamantin modèle palestrinien, le symphonisme hérité de Beethoven, le théâtre sublimé et le sacré politique, auxquels on ajoutera un puissant souffle épique.
Presque jamais donné en concert, ce vaste et palpitant oratorio est à découvrir, et à vivre, de toute urgence.

Frank Langlois

Concert du Nouvel An

Célébrer l'an neuf est la plus mondialisée et la plus fédératrice de toutes les fêtes qui ponctuent nos années civiles. Pas de fêtes sans musique ! Au cœur de l'Europe, une danse s'est imposée : la valse.
Sa généalogie est incertaine. Trois certitudes cependant. La valse s'est démarquée de l'autre danse à trois temps : le menuet ; si ce dernier portait son origine française et son identité aristocratique et allait disparaître avec la Révolution française, la valse accompagna, à la fin du Siècle des Lumières, l'essor d'une nation culturelle allemande puis revêtit un caractère essentiellement populaire, avant que la bourgeoisie du premier capitalisme, dans la première moitié du XIXème siècle, ne s'en empare. Autre certitude, la valse eut une « protohistoire » au cours de laquelle coexistaient une identité urbaine (la future valse) et une identité paysanne (le futur Ländler, dont, un siècle plus tard, dans certaines de ses symphonies, Mahler allait user avec gourmandise). Enfin, l'espace géographique fut assez circonscrit : les actuelles Bohèmle, Autriche et Allemagne australe, avec Wien - la Vienne impériale - pour foyer.
Si Goethe mentionne la valse (dans Les souffrances du jeune Werther), si Mozart en composa parmi d'autres danses allemandes de cour (dont les contredanses) et si l'Angleterre l'acclimata, l'acte de naissance sociale de la valse est le Congrès de Vienne, en 1814, au cours duquel, écrivit-on, « le congrès ne marche pas, il danse ».
Nul hasard à ce que le règne de la valse, à Vienne, ait débuté au moment où le pouvoir impérial décida que, pour son développement économique et sa libéralisation politique, il s'appuierait sur les jeunes entrepreneurs de la bourgeoisie urbaine. Plus que la polka (d'origine polonaise) ou la marche (les cavaliers la dansent à distance) qui avaient également cours à Vienne, la valse est un emblème : elle est un spectacle que le pouvoir politique et les capitaines d'industrie se donnent à eux-mêmes afin de favoriser les stratégies matrimoniales de leurs rejetons ; et elle incite ces derniers à enfreindre, exceptionnellement, les normes de la pudeur pour s'étourdir, à toute vitesse, dans la ronde de leurs corps touchants et … touchés. L'histoire a privilégié ce second visage. De surcroît, affranchissement des mœurs oblige, elle n'en a retenu que la sensation giratoire et presque extatique.
Mais pour que, au siècle du romantisme, la valse ait pu conquérir Vienne, encore fallait-il des compositeurs à la hauteur de ces enjeux ! La famille Strauss en fut le principal maître d'œuvre. Cette dynastie s'ouvrit avec le père : Johann Strauss senior (1804-1849). D'origine modeste, il entra tôt dans des orchestres de taverne où ses dons de violoniste et de compositeur de musique populaire lui valurent des succès croissants, notamment lorsqu'il conquit Londres et Paris. Ce « père de la valse » donna à cette danse ses lettres de noblesse et d'universalité. Ses trois fils - Johann, Josef et Eduard - poursuivirent l'œuvre paternelle et firent que, jusqu'à la Première guerre mondiale, l'Europe tout entière dansa à leur rythme. Fameux prodige ! De ces trois fils, Johann junior (1825-1899) fut le plus doué. Tant par leur mélodie, leurs rythmes entraînants et leur raffinement orchestral, nombre de ses œuvres (Le beau Danube Bleu, Tritsch-Tratsch Polka ou Valse de l'Empereur) résonnent encore dans nos mémoires et ont captivé de grandes figures de la composition musicale en Europe, jusqu'à Schönberg, Berg et Webern qui en réalisèrent de fameux arrangements.
Un siècle et demi après, la valse viennoise est toujours le pain béni des orchestres mondiaux et de leurs auditeurs, toujours conquis. Est-il plus bel hommage ?

Frank Langlois

Vendredi 19 novembre

Bien souvent, l'œuvre d'art qualifié d' « impure » est plus vivante et plus riche de sens et de sensations que sa consœur dite « pure ». En musique, parmi ces vivifiantes sources d'impureté, l'univers de la scène occupe une place essentielle.
De sa génération, Pascal Dusapin se distingue notamment par sa soif de théâtre : à ce jour, il a composé pas moins de huit ouvrages scéniques. Et la tension (presque le suspense) qui anime sa musique orchestrale (avec ou sans soliste instrumental) et sa musique vocale non-scénique trouve sa source dans une dramaturgie affleurante où des temporalités suspendues se mêlent à des nappes sonores que zèbrent de sporadiques éclats. Destinée à accompagner Entre ses mains, la partition dénommée Musique pour un film d'Anne Fontaine n'est pas une musique de film ordinaire : sa relation à l'image est aussi abstraite que son travail sonore est concret et matérialisé.
Pour animer le langage post-Mahler qu'il avait adopté et qu'il savait désuet, Dmitri Chostakovich mit en jeu le fébrile ouragan théâtral qui l'animait. Dans ses cinglants opéras Le Nez (1928) et Lady Macbeth du district de Mzensk (1930-1934) , il put montrer de quel bois ardent il chauffait les planches ; à cet égard, sa musique concertante (le soliste de ses concertos et les personnages de ses opéras partagent un statut identique) est frappante. Surtout lorsqu'il s'agit du violoncelle dont la tessiture est identique à celle des voix de basse et de ténor réunies ; et, a fortiori, lorsque ce soliste auquel, en 1959, l'œuvre était destinée se nommait … Mstislav Rostropovitch ! Tour à tour exalté et mécanique puis immobile et lyrique, le violoncelliste produit, devant nos esprits ébahis, un opéra auquel ne manquent que des mots.
Après le cinéma et l'opéra, voici le ballet. Musique à danser, L'Oiseau de feu est donc composé sur un argument, en l'occurrence écrit par son chorégraphe, Michel Fokine. Il évolue dans l'univers des contes, avec la part de merveilleux qui, depuis les contes persans médiévaux, en passant par Perrault et jusqu'à Andersen, caractérise ce genre littéraire. Avec son premier ballet, Stravinsky frappa un coup de tonnerre : le corps du danseur y vit musicalement à nos oreilles. Nullement illustratif, L'Oiseau de feu est du pur théâtre !

Frank Langlois

Vendredi 3 décembre

À qui l'interprète ou l'écoute, Schumann inspire un irrépressible souffle de liberté. Loin d'être limpidement classique, son creuset bouillonne d'énergies multiples et hétérogènes qui se regroupent en deux lignées.
La première lignée touche à la Nature et à la relation d'immersion immanente que Schumann entretient avec elle. Ainsi le compositeur y fait-il résonner le monde en lui, non en une forme de plate passivité mais en une rare aptitude à accueillir l'altérité et à y voir poindre l'ontologique liberté humaine ; y surgissent le songe et le rêve ; y sonnent la poésie, le Lied et la forme rhapsodique, celle de l'aède qui porte l'universelle mémoire du monde et de ses créatures, naturelles comme surnaturelles. Et en témoignent les poètes élus, parmi lesquels Heinrich Heine, Josef von Eichendorff, Adelbert von Chamisso et Friedrich Rückert.
À l'opposé, la seconde lignée est marquée par la volonté de conquérir sa propre liberté sociale, au prix de l'héroïsme ; le goût de l'action s'y traduit par un travail musical où le savoir-faire harmonique et contrapuntique hérité de la musique allemande (essentiellement la musique baroque luthérienne et l'art beethovenien) est sans cesse remis en jeu. Une autre liberté surgit, celle qui est volontairement conquise.
Une certitude : la musique de chambre, ses effectifs modérés mais collectifs, et ses connivences entre musiciens sont le cœur de ces deux lignées. Dans Concerto pour piano, en la mineur, l'esprit exclut le symphonisme alla Beethoven (celui de la Symphonie n°9 ou de Missa solemnis) ; au contraire, il est celui d'un quintette pour piano et cordes dont les effectifs auraient été juste accrus de quelques cordes et de dix instruments à vent. Quant à la Symphonie n°1, en si bémol majeur, elle n'utilise que rarement l'orchestre en sa masse intégrale mais préfère y organiser de momentanés et changeants ensembles de chambre, en une géographique carte du tendre !
En France, sans aucune discontinuité, Schumann a fasciné et fascine encore. Dans la famille des pianistes, une succession ininterrompue a créé un entendement schumannien à la française : d'Yves Nat et Alfred Cortot, à (la regrettée) Catherine Collard, Laurent Cabasso et … Brigitte Engerer. Quant aux compositeurs, Laurent Petitgirard (en 2000, il a été élu à l'Institut de France - à l'Académie des Beaux-Arts -, au siège de Marcel Landowski.) en poursuit le lyrisme nourricier et la mystérieuse veine mélodique.

Dimanche 31 octobre

À mesure que, depuis la Renaissance, le monde occidental s'est laïcisé et que naquirent une société, une culture et une science civiles, les domaines singuliers qui ressortissent à la musique sacrée et à la musique profane, se sont progressivement figés. Cette bipartition n'empêcha pas qu'une spiritualité non confessionnelle prît toute sa place et que se créât un répertoire sacré « pour le monde » (disait, désolé, Olivier Messiaen) qui se donnait, non dans les églises mais dans les salles de concert. Les deux oratorios (Die Schöpfung / La Création et Die Jahreszeiten / Les Saisons) de Haydn ou Missa Solemnis de Beethoven visent autant à louer le Créateur qu'à chanter « l'amour de l'humanité », ainsi que Beethoven l'écrivit à l'archiduc Rodolphe, destinataire de cette messe.
Les trois œuvres qui constituent la première partie de ce concert, ressortissent à cette catégorie : la salle de concert leur convient autant que l'église. En permanence, Francis Poulenc balança entre la vie mondaine et ses aspirations sacrées : en 1935, frappé par le décès d'un ami et ébloui par le sanctuaire pèlerin de Rocamadour où trône une Vierge sculptée dans un bois noir, il composa Litanies à la Vierge noire, sa première œuvre sacrée ; puis un quart-de-siècle plus tard, il écrivit Gloria où se poursuivait le bouillonnement puccinien qui animait son récent opéra Le dialogue des carmélites (1953-1959). Quant à Marcel Landowski, Que ma joie demeure, qui est dédié à Yehudi Menuhin et se réfère ouvertement à Bach, reflète le projet humaniste dont le compositeur innerva toute sa musique.
Selon toute apparence, Gloria de Vivaldi est purement sacré. Certes le texte et l'édifice (la chapelle de l'Ospedale della Pietà) le sont mais ... le « Prêtre roux » fut tellement plus captivé par sa carrière à l'opéra! À l'évidence, les sections de Gloria sont (potentiellement) autant de pages arrachées à un ouvrage lyrique, sans que la dévotion qu'il porte en soit amoindrie !
Et si « musiquer » pour Dieu et pour le monde étaient, chez ces compositeurs, l'avers et le revers d'une même médaille ?
Frank Langlois

Vendredi 15 octobre

Concert lecture

Wolfgang Amadeus Mozart
Symphonie n°41 dite "Jupiter"

Aaron Copland
Fanfare for the common man

Concert lecture

Wolfgang Amadeus Mozart
Symphonie n°41 dite "Jupiter"

Aaron Copland
Fanfare for the common man

Les couleurs de l'orchestre

Ottorino Respighi
Trittico Botticielli, extraits

Gabriel Fauré
Pavane

Wolfgang-Amadeus Mozart
Symphonie n°40, extraits

Michael Torke
Ash

Les couleurs de l'orchestre

Ottorino Respighi
Trittico Botticielli, extraits

Gabriel Fauré
Pavane

Wolfgang-Amadeus Mozart
Symphonie n°40, extraits

Michael Torke
Ash

Les couleurs de l'orchestre

Ottorino Respighi
Trittico Botticielli, extraits

Gabriel Fauré
Pavane

Wolfgang-Amadeus Mozart
Symphonie n°40, extraits

Michael Torke
Ash

Les quatre Saisons

Astor Piazzolla
Printemps

Antonio Vivaldi
Eté - Automne

Astor Piazzolla
Hiver

Felix Mendelssohn Bartholdy
Symphonie n°4 “Italienne” en la majeur opus 90

Concert lecture

Wolfgang Amadeus Mozart
Symphonie n°41 dite "Jupiter"

Aaron Copland
Fanfare for the common man

Concert lecture

Wolfgang Amadeus Mozart
Symphonie n°41 dite "Jupiter"

Aaron Copland
Fanfare for the common man

Un conte Hongrois

Zoltan Kodaly
Danses de Galanta
Danses de Marosszek

Un conte Hongrois

Zoltan Kodaly
Danses de Galanta
Danses de Marosszek

Un conte Hongrois

Zoltan Kodaly
Danses de Galanta
Danses de Marosszek

Les couleurs de l'orchestre

Ottorino Respighi
Trittico Botticielli, extraits

Gabriel Fauré
Pavane

Wolfgang-Amadeus Mozart
Symphonie n°40, extraits

Michael Torke
Ash

Les couleurs de l'orchestre

Ottorino Respighi
Trittico Botticielli, extraits

Gabriel Fauré
Pavane

Wolfgang-Amadeus Mozart
Symphonie n°40, extraits

Michael Torke
Ash

Les couleurs de l'orchestre

Ottorino Respighi
Trittico Botticielli, extraits

Gabriel Fauré
Pavane

Wolfgang-Amadeus Mozart
Symphonie n°40, extraits

Michael Torke
Ash

Les couleurs de l'orchestre

Ottorino Respighi
Trittico Botticielli, extraits

Gabriel Fauré
Pavane

Wolfgang-Amadeus Mozart
Symphonie n°40, extraits

Michael Torke
Ash

Les couleurs de l'orchestre

Ottorino Respighi
Trittico Botticielli, extraits

Gabriel Fauré
Pavane

Wolfgang-Amadeus Mozart
Symphonie n°40, extraits

Michael Torke
Ash

Le secret du Pont d'Avignon

Georges Bizet
Jeux d'enfants : berceuse
Carmen suite d'orchestre n°1 : les Dragons d'Alcala
Symphonie en ut M : 1er et 2e mouvements
L'Arlésienne : Farandole (extraits)

Jonathan Shiffman
Variations symphoniques "Sur le Pont d'Avignon"

Georges Enescu
Prélude de la suite n°1

Edvard Grieg
Suite Holberg

Le secret du Pont d'Avignon